Kandinsky's Universe

Zu Beginn traf die geometrische Abstraktion nicht selten auf Ablehnung. Im Winter 1915 schockierte ein schwarzes Quadrat auf weißem Grund die Besucher einer Ausstellung in St. Petersburg. Gemalt hatte es der aus Kyjiw stammende Kasimir Malewitsch. Das Bild war eine Tabula Rasa, ein Ende und gleichzeitig Neubeginn für die Malerei. Den Horizont und das Blau des Himmels hatte Malewitsch durch einen hellen Bildgrund ersetzt, vor dem die einfachen geometrischen Formen zu schweben scheinen. Suprematismus, vom Lateinischen Supremus – das Höchste – nannte er selbstbewusst diese radikale Kunst, die den Menschen zu neuen Erkenntnissen führen sollte. 

1917 beendete die Oktoberrevolution die Ära der Zarenherrschaft. Die Bolschewiki unter der Führung Lenins beriefen Malewitsch und andere Avantgardisten auf Posten in den neugegründeten staatlichen Kulturinstitutionen. Der Aufbruch war allgegenwärtig. Malewitschs Anhänger nannten sich „Verfechter der neuen Kunst“. 

Kandinsky war 1933 nach Neuilly-sur-Seine in die Nähe von Paris emigriert. Noch immer war die Kapitale der Moderne ein Sehnsuchtsort für Künstler. Zu ihnen gehörte auch der Niederländer Piet Mondrian, der bereits seit 1912 mit Unterbrechungen in Paris lebte. 1917 hatte er mit Theo van Doesburg die Gruppe De Stijl gegründet. Sie proklamierten eine gegenstandlose Kunst, die auf horizontalen und vertikalen Rastern und Rechtecken in den Grundfarben beruht. Der puristische Stil, der bald auch fürs Design übernommen wurde, traf den Nerv der Zeit und wurde international stark rezipiert: Die Britin Marlow Moss oder der Franzose Jean Gorin sind nur einige der Anhänger des Neo-Plastizismus, wie Mondrian seine Abstraktion nannte. 

Mitte der 1920er Jahre hatte sich Mondrian nach Diskussionen über den Einsatz von diagonalen Linien von der De Stijl Gruppe distanziert. Sein Pariser Atelier, dessen Wände wie Mondrians Gemälde mit Rechtecken in den Primärfarben überzogen war, blieb dennoch ein Anlaufpunkt für junge Künstler. Für den jungen Amerikaner Alexander Calder war der Besuch bei Mondrian ein Wendepunkt: Nun begann er, selbst abstrakt zu arbeiten. In den frühen 1930er Jahren gestaltete Calder seine ersten Mobiles. 

1931 war in Paris die Gruppe Abstraction-Création gegründet worden, die unterschiedliche Wege der gegenstandslosen Kunst vereinte. Ihre internationalen Mitglieder wollten mit Ausstellungen und Publikationen eine Plattform für die abstrakte Kunst schaffen. Damit setzten sie auch ein Signal gegen den allgegenwärtigen Surrealismus. Allerdings waren die Grenzen zwischen den figürlichen Fantasien der Surrealisten und der rein abstrakten Bildsprache durchlässig. Kandinsky etwa spielte mit assoziativen Elemente des Surrealismus. 

In der Nachkriegszeit begann der Aufstieg der USA zum Motor der Kunstwelt. Nachdem zunächst der Abstrakte Expressionismus mit seinem gestischen Ausdruck und der körperlichen Machart die Szene dominiert hatte, folgte in den 1960er Jahren eine Rückkehr zur klaren Form. Im Land der unbegrenzten Möglichkeiten wurde auch die abstrakte Malerei wortwörtlich von ihren Grenzen befreit: Die Formate wurden ins Monumentale gesteigert und die jahrhundertealte Logik des rechteckigen Malgrunds aufgegeben. Ellsworth Kelly und Frank Stella fertigten Shaped Canvases, also Leinwände mit runden oder mehreckigen Rändern. Die populäre Hard-Edge-Malerei, bei der sich die Formen durch „harte Kanten“ scharf gegeneinander abgrenzten, zeichnete sich durch poppige Farben und glatte Oberflächen aus.

Die Flut an Gütern der amerikanischen Konsumgesellschaft wurde auch in der Kunstproduktion reflektiert. Statt Ölfarben verwendeten viele Zeitgenossen industriell hergestellte Acrylfarben oder sogar Wandfarben aus dem Baumarkt. Die Künstler der Minimal Art unterdrückten jede persönliche Handschrift und schufen so Distanz zu ihren Werken; das serielle Arbeiten löste die individuelle Kreation ab. Donald Judd ließ seine Quader aus Plexiglas und Stahl gleich ganz von Arbeitern herstellen. Seine minimalistischen Objekte aus geometrischen Formen thematisierten den sie umgebenden Raum.

Mit der Op-Art, kurz für Optical Art, begann die geometrische Abstraktion zu tanzen. Die statischen, zweidimensionalen Kompositionen der Britin Bridget Riley oder der Amerikanerin Margaret Wenstrup scheinen sich vor unserem Auge auszudehnen, zu rotieren und zu vibrieren. Einflüsse der psychedelischen Kunst und der Geist des Raumfahrtzeitalters sind spürbar. Der Ungar Victor Vasarely schickte einige seiner Graphiken sogar per Raumschiff ins All.

Die Op-Art nutze optische Effekte wie Verzerrung oder Kontraste. Damit schloss sie an die Anfänge der abstrakten Kunst an, denn schon Kandinsky, die osteuropäischen Avantgardisten und Bauhäusler wie Josef Albers hatten die Wirkung von Farbe und Form auf das Auge analysiert. Gleichzeitig löste sich die Op-Art, deren Name nicht zuletzt an die zeitgleiche Pop-Art der 1960er Jahre erinnert, von den spirituellen und intellektuellen Zuschreibung an die Abstraktion. Stattdessen bot sie ein auf die Gegenwart gerichtetes Spiel mit der Wahrnehmung.