Munch

Munchs Wahrnehmung als Künstler des Fin de Siècle, der die Nächte in Berlin vertrinkt, seiner Wahlheimat für mehrere Jahre, gibt nur einen Teil seines Lebens und Schaffens wieder. Die meiste Zeit seines Lebens ist er ein Landschaftsmaler, ein Naturversteher, ein pantheistischer Naturphilosoph mit dem Pinsel. Nicht umsonst sind mehr als die Hälfte seiner Bilder Landschaften: Seine ausdrucksstarke Malweise, die den Impressionismus überholt und den Expressionismus vorwegnimmt, sucht einen Ausweg aus der Moderne, geht ins Organische, Kosmische, Spirituelle.
Nach einem Zusammenbruch 1908, der ihn aus Berlin und in die finale Bekämpfung seiner Alkoholsucht in eine Klinik bei Kopenhagen treibt, zieht es Munch zurück in seine norwegische Heimat. 

Fast könnte man von einer Poesie des Daseins sprechen, schaut man sich ein stimmungsmalerisches Gemälde wie Haus in einer Sommernacht von 1902 an. Hier verbreitet sich keine zivilisatorische Angst, die Welt geht nicht unter – sondern einfach ein Tag zu Ende. 

Munchs Naturauffassung ist pantheistisch. Er sieht das All in der Welt, den Kosmos im Menschen und den Menschen als Kosmos: 

In seinen Bildern setzt er die menschlichen Figuren stark mit der Umgebungslandschaft in Beziehung, malt vermenschlichte Formen in die Bäume, Steine, Himmel und Gewässer – so schwebt auf Aussicht vom Nordstrand eine Insel auf dem hellblauen Wasser, die an einen Mund erinnert.

Edvard Munchs Leben ist von Phasen psychischer Instabilität geprägt. Nach seinem Zusammenbruch 1908 gewinnt er, nach wiederholten Behandlungen, den Kampf gegen Depression und Trinksucht. Nach Jahren der Unruhe lässt er sich von 1909 bis 1915 im norwegischen Küstenort Kragerø nieder. In Skrubben, seinem dortigen Anwesen, arbeitet er in Freiluftateliers. Er geht in der Natur auf, lässt die Stadt als Bildmotiv fast vollständig aus. 

Munch verlor mit fünf Jahren seine Mutter, mit 14 die älteste Schwester. Diese Prägung seiner Kindheit durch Verlust und Trauer findet man noch in Werken, die Jahrzehnte später entstanden – so in seinem Zauberwald, gemalt von 1919 bis 1925, in dem große Verlorenheit herrscht. In anderen Bildern wie Kinder im Wald ist diese Drastik abgemildert. Zwar steht die niedlich-bunte Kindergruppe vor einem mächtigen, grünen und dunklen, Baum-Meer, über das sich ein unruhiger Abendhimmel spannt; doch beherrscht keine Stimmung des Schreckens das Bild, eher des Abenteuers.

Entstanden mit fast zwei Jahrzehnten Abstand, zeigen die Gemälde, dass es im Werk Munchs kaum eine klare zeitliche Trennung gibt zwischen seinen verzweifelten und den glücklicheren Lebensphasen. Kinder im Wald, viel früher entstanden als der Zauberwald, stammt so noch aus Munchs Berlin-Phase, die als eigentlich düsterer angesehen wird als die Jahre zurück in Norwegen.
Ähnlich zeigt sich diese Gefühls-Kontinuität, vergleicht man Dunkler Tannenwald von 1899 mit Aus dem Thüringer Wald, sechs Jahre später entstanden. Der Tannenwald erinnert an die Märchen des norwegischen Autors Theodor Kittelsen. Der Thüringer Wald hingegen wirkt, als habe Munch die gesamte Verzweiflung seiner Existenz in die Landschaft projiziert.

In der Küstenregion rund um den Oslofjord mietet und kauft Munch Anwesen in Åsgårdstrand, Kragerø, Hvitsten und auf der Insel Jeløya, legt dort Gärten an. In den Garten seines Hauses in Åsgårdstrand pflanzt er Beerensträucher und Apfelbäume; in Hvitsten bewirtschaftet er einen weiträumigen Obstgarten, hat Hennen, Tauben, Enten, einen Hund und ein Pferd. 
Das letzte Anwesen des Künstlers, in Ekely nahe der Osloer Stadtgrenze, war ursprünglich eine Gärtnerei. Sie ist auch zu Munchs Zeit noch so ertragreich, dass er während des Ersten Weltkriegs mit der Ernte seine Familie versorgen kann – Zeugnis davon geben die vielen Früchte auf Apfelbaum im Garten.

Auf Frau mit Kürbis, einem späten Meisterwerk, trägt die weibliche Figur im Vordergrund das riesige Gemüse, während das Haus, fast vollständig verwuchert, von Ferne in zartem Rot-Orange leuchtet – ein Farbton, der sich im Haar der Frau wiederfindet. Zwei Jahre vor seinem Tod verschränkt Munch in diesem Bild noch einmal Pflanze, Bauwerk und Menschenfigur, als könnten Zivilisation und Natur einander im Garten ausbalancieren.

Auf dem Farbholzschnitt Melancholie II sieht man eine einsame Frauenfigur – ungewöhnlich für Munch, sind es bei ihm doch meist die Männer, die einsam sind. Während er die wenigen Abzüge dieses Druckes eigenhändig anfertigt, lässt er in höheren Auflagen verbreitete Holzschnitte wie Abend. Melancholie I und Melancholie III professionell drucken. 

Zu Munchs berühmtesten Motiven gehören die Mädchen oder Frauen auf einer Brücke. Von diesem Gemälde gibt es viele Varianten und Versionen, so aus dem norwegischen Dorf Åsgårdstrand vor dem Landhaus Kiøsterud, das dem Künstler gehört. Die Mädchen umweht ein Hauch von Geheimnis, sie scheinen zu kichern, zu flüstern. Vor allem wirken sie gesund und glücklich. Sie bilden eine Einheit, untereinander und mit der schimmernden Abendstimmung. Der Ausblick, hier auf das Ufer mit Häusern, ist bei Munch selten. Er ist der Meister des Mittelgrundes, hat also kaum Vorder- und fast nie Hintergrund, was eine besondere Intensität erzeugt. Ähnlich wird das, gerade für das Mädchen-Motiv, Munchs Künstlerfreund Max Liebermann gesehen haben. Liebermann findet, „dass dies mein bestes Bild ist“, erzählt später Munch.

Munchs Bandbreite, man könnte auch sagen: seine Zerrissenheit, wird an zwei Werken besonders deutlich: Der Schrei und Die Sonne. Beide zeigen eine Durchdringung von Figur und Landschaft, von Erde und Kosmos. Doch während die Schrei-Figur sich offenbar in einer existenziellen Notlage befindet, hat Munch die Sonne so hell und großzügig gemalt, dass ihre Strahlen richtiggehend aus dem Bild heraustreten, zum Malenden, zum Betrachter. Die Natur in Munchs Kunst selbst Schauplatz menschlicher Dramen. Gleichzeitig ist sie eine Schöpfungsinstanz, bildet Zirkel des Vergehens und Wiederkehrens, denen man sich hingeben darf.

Munch liebt es, eine von Schnee regierte Welt zu malen, teils märchenhaft, dann wieder fast realistisch, so beispielsweise Winter in Kragerø. Die Schneeschmelze, der Übergang von Eis zu Wasser, faszinierte ihn. Er umkreist sie lyrisch und bildlich, so in Schneelandschaft. Thüringen. Einmal notiert er: „Die Bäche sprudelten – von den Dächern tropfte es – glitzernde flüssige Perlen – Die Erde wurde weich.“ 
Ganz intensiv sind bei Munch die traumhaften, fast erträumten Bilder nordischer Winternächte, die so stimmungsvoll wirken, dass man den Schnee zu knistern hören glaubt. Beispiel für ein solches Werk ist Sternennacht.

Munch ist ein leidenschaftlicher Leser, nach seinem Tod 1944 findet man in seinem Haus in Ekely rund 1500 Bücher. Dass er in viele Richtungen geforscht und gedacht hat, sieht man nicht nur an einer allegorischen Darstellung wie Astronomie, Geschichte, Geographie, sondern auch an der Verschiedenartigkeit seiner Lektüre. Bücher über Düngemittel, die Flora Norwegens und Einsteins Relativitätstheorie fanden sich in seiner Bibliothek ebenso wie K.G. Doblers Ein neues Weltall, Knut Hamsuns Segen der Erde und Werke von Munchs Schriftstellerfreund Max Dautendey, etwa dessen Lyrikband Die schwarze Sonne.

In den Kreislauf der Natur eingebunden zu sein, ist für Munch tröstlich, wobei er dabei ungewöhnliche Ideen verfolgt: Das Universum etwa sei nur Teil eines „höheren, mächtigeren, menschlichen Wesens“, das dennoch „aus denselben chemischen Zusammensetzungen besteht, wie wir, wie unsere Erde, wie unsere Sonne“ – Ideen, die an Doblers Ein neues Weltall von 1892 anknüpfen. Und dann ist da außerdem die Idee der Kristallisation:

Schon während der Zeit der Alkoholexzesse in der Berliner Restauration „Zum schwarzen Ferkel“ in den 1890ern versucht Munch sich an ersten Bildern zur Kristallisation, durch die Mineralisches zum Leben erweckt wird; grandios die Kohlezeichnung In uns sind Welten, etwas später folgen Im Land der Kristalle und Trauermarsch. Munch: „Alles ist Leben und Bewegung – Der Lebensfunke findet sich auch in den Grundfesten der Erde – Den Kristallen – .“

Dieses Munch’sche Denken erinnert an die Naturphilosophie von Ernst Haeckel, dem er bei Thüringen-Aufenthalten vielleicht begegnet ist. Dort hat Munch in jedem Fall den Kunsthistoriker Botho Graef kennengelernt, der ihn treffend beschreibt: Munch kopiere die Natur nicht, sondern lasse sie „neu in uns wirken [läßt]. Entfernt sich auf diesem Wege seine Kunst scheinbar von der Wirklichkeit, […] so entfernt sie sich doch niemals von der Natur. Im Gegenteil, sie stellt die Gesetzmäßigkeiten der Natur nur reiner und eindeutiger dar.“

Die monumentalen Wandbilder für die Aula der Universität Oslo: In der Mitte seines Lebens gemalt, sind sie ein Kulminationspunkt von Munchs Kunst und Denken. Die Idee der Kristallisation findet sich hier ebenso wie die Liebe zum Bäuerlichen und Naturverbundenheit. Sogar Einsamkeit und Liebessuche klingen an, allerdings transformiert. Ganz besonders stark ist das Wandbild Die Sonne mit seinen beiden Begleittafeln Frauen sich zur Sonne wendend und Männer sich zur Sonne wendend.

Diese organisch- mythische Verbindung bestimmt Munchs Kunst durch und durch. Der Held der entfremdeten Moderne, dies offenbart die Ausstellung Lebenslandschaft erstmals, er ist auch ein Held der Natürlichkeit. Auf seinem Selbstbildnis mit Palette von 1924 sieht man das einmal mehr: Munchs Kopf wächst, wie die Wipfel der Bäume, in den blauen Himmel.